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ARTíCULO INVITADO 2
DIEZ CARÁTULAS QUE CAMBIARON LA HISTORIA
ESCRITO POR
Luis Fernando Rondón
Nunca boté a la caneca mis discos de vinilo y todavía devuelvo cassettes con cualquier esfero que esté a la mano.

DIEZ CARÁTULAS QUE CAMBIARON LA HISTORIA

En la historia de la música no es mucho lo que se ha escrito sobre el arte derivado de las carátulas de los discos. En este artículo descubra la historia detrás de diez carátulas seleccionadas por un gran coleccionista.

No soy erudito del rock, pero sí un coleccionista aficionado de tiempo completo.  Durante algunos años de mi vida he recorrido diferentes lugares de Bogotá en busca de discos. He visto a personas pelearse por piezas de la talla del «In Utero» de Nirvana en su vinilo color verde transparente, he descubierto discos como la banda sonora «Census Taker» de The Residents del cual se hicieron pocas copias, he encontrado la producción «Speaking in Tongues» de Talking Heads con el arte original que diseñó el artista Pop Robert Rauschenberg, y recuerdo cuando el bajista de Dead Kennedys, East Ray Bay, firmó mi disco «Bedtime for Democracy» y por poco  se queda con él. Una carátula que marcó mi experiencia en mi camino hacia la radio fue la del disco homónimo y debut de David Gilmour, tres hombres sobre la nieve a diferentes distancias formando un triángulo. Esa carátula me sedujo a hacer el primer especial para Los Clásicos del Rock en Javeriana Estéreo. 

Hace poco alguien me invitó a dictar una conferencia a ilustradores de diferentes partes del mundo sobre la historia de las carátulas en el rock. Una misión difícil, ya que al recopilar varios álbumes se puede caer en el cliché de un conteo de canal musical pop. Por eso en esta ocasión decidí escoger 10 carátulas que cambiaron mi propia historia, así algunos de estos discos hayan sido un hito en el Rock. Estos trabajos discográficos son también una triada que cuenta una historia visual a partir del arte gráfico y puede ser complementada escuchando el disco completo.

Haciendo una regresión, recuerdo que mi historia coleccionando discos Lp inició a la corta edad de ocho años. Un día parado en la vitrina del almacén Bambuco en un centro comercial -de cuyo nombre no es que no pueda, si no que no quiero acordarme- vi el que sería mi primer disco. Una carátula que representaba una serie de colores reflejados en un prisma, un disco que nunca había escuchado y que sin yo saberlo, guardaba en sus surcos el sonido del Rock Progresivo conceptual y uno de los trabajos mejor vendidos de todos los tiempos.

1. PINK FLOYD: Dark Side of The Moon 1973.

La carátula fue diseñada por George Hardie, quien junto a Storm Thorgerson, creó el colectivo Hipgnosis en 1967, la primera empresa gráfica que tomó en serio el concepto visual de los discos. Precisamente «The Dark Side of the Moon» ha pasado a la historia como uno de los trabajos conceptuales más importantes del rock. La carátula fue hecha a mano y posteriormente, para el duodécimo aniversario, el prisma fue reemplazado por una foto. La idea nació de un triángulo que luego fue convertido en prisma y que según Thorgerson simboliza el pensamiento y la ambición, esta última siendo el tema central de la canción Money.

 

 

 

 

 

 

 

2. KING CRIMSON: In The Court of the Crimson King 1969.

Uno de los primeros discos de corte progresivo, que  en sus surcos llevó el imaginario de leyendas inglesas como el Rey Arturo, mezclado con la visión futurista del hombre del siglo XXI. Barry Godber, programador de computadoras, pudo escuchar algo del disco antes de ser prensado y a partir de eso realizó el personaje de esta carátula, el “hombre esquizofrénico del siglo XXI”. En su interior se puede apreciar la ilustración del segundo personaje,  “El Rey Carmesí”, una figura que aunque parezca sonriente, sus ojos demuestran todo lo contrario.

 

3.THE VELVET UNDERGROUND: The Velvet Underground & Nico 1967.

El acercamiento de un consagrado artista visual al rock antes de 1967 no era una cosa común. Andy Warhol no solo decidió trabajar con el grupo Velvet Underground, también lo apadrinó. La carátula es una sutil pero fuerte crítica a las políticas conservadoras de aquel momento. En las primeras copias del disco, el Banano era un sticker y se podía pelar. Un disco que fue clara influencia del posterior movimiento punk.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

4. THE ROLLING STONES: Sticky Fingers 1971.

Y si Andy Warhol utilizó un banano como imagen para Velvet Underground, para los Rolling Stones fue más allá y utilizó una cremallera, que, desde luego, podía bajarse o subirse. Por mucho tiempo se creyó que el hombre del pantalón era Mick Jagger, pero se desmintió esa hipótesis cuando se hizo público que la persona que había posado para la foto era uno de los modelos de Warhol. Las posteriores versiones venían impresas y se quitó la cremallera por cuestión de costos. En su tiempo, fue una carátula acusada de obscena y extravagante; hoy es una pieza de colección muy buscada.

 

5. THE CLASH: London Calling 1979.

 

Mal nombrado por la revista Rolling Stone como uno de los mejores discos de la década del los años ochenta -y digo mal nombrado porque este disco fue publicado en diciembre de 1979 y no alcanzó a hacer parte de esa década-. Con la tipografía tomada del disco «Elvis Presley»  de 1957, con una fotografía desenfocada tomada por Pennie Smith de Paul Simonon rompiendo su bajo en escena, fue la piedra angular que sacó a esta agrupación inglesa del punk y le abrió la frontera hacia otros géneros musicales.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

6. JOY DIVISION: Closer 1980.

El último disco que dejó en vida el cantante Ian Curtis junto a sus compañeros de Manchester. A simple vista la carátula parece una pintura neoclásica, pero no. Aunque la idea del siglo XVIII se encuentra presente en esta imagen, se trata de una fotografía tomada por Bernard Pierre Wolff, quién junto a Peter Saville y Martyn Atkins, lograron plasmar en imagen el sonido oscuro y minimalista de Joy Division. La fotografía en mención pertenece a una tumba en el Cimitero Monumentale di Staglieno en Génova, Italia.

 

7. PIXIES: Doolittle 1989.

Si en los años setenta se consolidó el colectivo de artistas Hipgnosis, en los años ochenta y noventa nació V23. De la mano de Vaughan Oliver y junto a el sello 4AD Records fueron los culpables de generar las mejores carátulas y conceptos durante esas dos décadas. En «Doolittle»  de Pixies, Olivier y el fotógrafo Simon Larbalestier se basaron en cada una de las letras, de modo que cada canción tuviera una fotografía. Las primeras copias del disco contenían las 15 fotos en forma de postales. El tema recurrente en estas fotografías fue la sensación de silencio y la decadencia haciendo énfasis en espacios vacíos para dar el sentimiento de desolación y soledad. Todos los elementos que se encuentran en las fotos fueron recogidos por el propio Larbalestier, quién utilizó una cámara Rolleiflex SL66 y una película Agfapan 25 para la foto.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

8. RAGE AGAINST THE MACHINE: Rage Against The Machine 1992.

Este disco es uno de aquellos cuya carátula es sacada de la vida real. Thich Quang Duc -monje tibetano que en 1963 decidió protestar de forma pacífica en contra de la administración opresora del presidente Ngo Dinh Diem en Vietnam- incendió su cuerpo con gasolina ante la mirada atónita de varios transeúntes. La histórica foto fue tomada por Malcolm Browne, quien declaró: “mientras se incendiaba nunca movió un músculo, nunca pronunció un sonido, su calma exterior en agudo contraste con la gente que se lamentaba alrededor de él… estaba demasiado sorprendido para llorar”.

9. SMASHING PUMPKINS: Mellon Collie and  the Infinite Sadness 1995. 

La idea gráfica de «Mellon Collie and the Infinite Sadness»  corrió por cuenta de Billy Corgan, quien se contactó con el diseñador John Craig. El artista trabajó a partir de los bocetos e ideas que Corgan le envió vía fax. El resultado final rememora el período neoclásico de Jean Baptiste Greuze y la cinematografía de los Hermanos Auguste y Louis Lumière, así como las tempranas películas de George Meliès.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

10. THE MARS VOLTA: The Bedlam in Goliath 2008.

Omar Rodríguez López, líder de la extinta banda The Mars Volta compró una tabla Ouija durante un viaje al Medio Oriente. Junto con los demás integrantes empezaron a utilizarla en repetidas ocasiones contactando a una entidad que se hacía llamar The Soothsayer. A partir de allí sucesos inexplicables empezaron a inundar el proceso de grabación de este disco: el baterista Blake Fleming decidió abandonar la banda, el cantante Bixler Zavala debió ser operado de urgencia por un problema en su pierna, el productor original del disco debió abandonar el proceso por problemas de nervios y las canciones terminadas desaparecieron, obligándolos a grabar todo el disco otra vez. Ante tanto problema García López decidió enterrar la tabla en un lugar que nunca reveló. Jeff Jordan realizó la ilustración y en la versión limitada en vinilo dibujó en su interior una réplica, con ligeros cambios, de esa peligrosa tabla ouija.

Hoy es importante recordar que muchas de las carátulas de estos discos fueron hechas para invitar al público a escuchar por completo sus álbumes. El arte gráfico hacía parte de la música para crear historias y representaciones visuales.  Un ritual que a pesar de las descargas digitales, la piratería y  los altos costos de producción aún sigue vivo y ha sido una influencia para bandas como Tool, Of Montreal, The Flaming Lips, Mastodon, Wolfmother, U.n.k.l.e, Ladyhawke, Fiona Apple, Radiohead, NIN, Beck, Placebo, Simian, Thievery Corporation, por mencionar algunos.

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